Existia (não sei se ainda existe) uma rádio comunitária na região do Saara, no centro do Rio de Janeiro cujo ponto forte eram  os comerciais, transmitidos a todo volume pelas ruas deste tradicional bairro de comércio popular. Meu comercial favorito era o de uma loja de roupa íntima, no qual uma locutora, afetando entonações sedutoras, dizia, com a devida pausa entre as palavras: “Sutiãs…. sexys! Calcinhas…. sexys! Meias…. sexys!”

O bordão não saía da minha cabeça durante os  barulhentos, intermináveis, penosos 109 minutos de Sucker Punch (incrível: a mesma duração de Paul… nem parece). Porque, não importa quanta explicação Zack Snyder dê para seus objetivos e referências, Sucker Punch é, em essência, apenas isso: um bando de moças bonitas e gostosas mudando várias vezes seus figurinos de pouca roupa, em múltiplas combinações de… bem… “Sutiãs…. sexys! Calcinhas…. sexys! Meias…. sexys!” Sempre combinando, é claro, com os diversos tipos de armamento empregados em poses…sexys contra antagonistas emprestados de um sortimento de games.

Não tenho absolutamente nada contra – muitíssimo pelo contrário – o excelente uso de lingerie ou a livre exibição da beleza do corpo humano (tenho mais ressalvas quanto às armas ). Mas, a não ser para quem tem a idade física ou mental de um menino de 11 anos, é preciso mais que isso para justificar  uma hora e 49 minutos do nosso precioso tempo.

Precedido de grande expectativa  (devidamente alimentada pela Warner) Sucker Punch, escrito por Snyder com Steve Shibuya,  a partir de seu proprio argumento- deveria ser a obra mais pessoal de Snyder, seu pronunciamento artístico. Espero que não seja – acredito que, com disciplina e um bom roteiro, ele ainda possa realmente mostrar o “visionário” que James Cameron (entre outros) vê nele.

Mas neste momento, lá está, nas telas de todo o mundo: cinco meninas bonitas (lideradas por Emily Browning, Abbie Cornish e  Vanessa Hudgens) em trajes sumários, pessimamente dirigidas (algumas cenas me lembraram os piores momentos das piores novelas que já vi) sem ter o que fazer. A trama é um fiapo: trancafiada num mancômio nos anos 1950/60, Baby Doll (Browning) cria elaboradas fantasias para fugir de sua existencia infernal e se vingar dos homens que atormentaram sua vida.

A principal fantasia, que serve de base para todas as outras, é o sinal mais claro do que Sucker Punch realmente é: Baby Doll imagina que o manicômio é um cabaré/prostíbulo de luxo. Ou seja : tudo não passa na verdade do sonho febril de um pré- adolescente bombardeado por hormônios e video games, nada mais.  De certa forma, é um Crepúsculo/Red Riding Hood para meninos.

Baby Doll e suas companheiras de aventura não são personagens completos, com  personalidade, profundidade, contornos, história, humanidade , nem alegorias ou metáforas para alguma outra coisa: são meras figurinhas movimentando-se em elaborados cenários, com a obrigatória cãmera lenta a la Syder, repetindo poses, situações e falas. Numa entrevista recente, Cornish disse que o trabalho de preparação para o filme foi de tal forma que ela e suas colegas se sentiam “mais dublês que atrizes”. Dá para ver.

E para quem tem reputação de visionário, Snyder precisa se esforçar mais : os mundos em que Baby Doll e suas amigas se refugiam já foram vistos antes, muitas vezes, em obras superiores de Peter Jackson, Quentin Tarantino, irmãos Wachowsky e muitos games.

Em vários momentos – a escolha das cores, o design dos ambientes do “bordel”, o uso de covers na trilha – Snyder parece estar referenciando Moulin Rouge!, o que seria uma escolha interessante se o resultado final não estivesse muito mais próximo de  um crazamento de Burlesque com Faster,Pussycat! Kill! Kill!

Mas poderia ter sido muito pior. Poderia ter sido em 3D.

Um dos efeitos colaterais da longa vida do cinema é sua capacidade para gerar seu meta – não apenas filmes sobre fazer filmes ( Cantando na Chuva, Oito e meio, Noite Americana, Um Realizador em Apuros, entre muitos outros), mas filmes sobre a narrativa cinematográfica e seu mais de um século criando iconografia em nossas mentes.

É  interessante ver, esta semana, dois filmes assim batalhando pela bilheteria, aqui nos EUA : Rango, que está em cartaz também no Brasil, e Paul, que estreou aqui neste final de semana (em breve teremos mais um, Sucker Punch mas…. Oops, não posso dizer nada, embargo até sexta feira). São criaturas diferentes, esses dois, mas ligados pelo umbigo à mesma nave-mãe: o cinema, criador de narrativas nos nossos sonhos.

Rango, que mencionei aqui no outro post, é um longo e delicioso bilhete de amor ao western em suas diferentes versões e vertentes.

O western é, possivelmente, o mais moral de todos os gêneros cinematográficos : é sobre bem e mal em estado puro, na ausência de distrações proporcionada por uma paisagem intocada, onde os anteparos da civilização ainda não foram estabelecidos. Sozinhos (e livres) num ambiente sem os recursos da lei e dos acordos sociais, homens e mulheres precisam recorrer unicamente a suas próprias bússolas morais para definir seu comportamento e estabelecer suas escolhas. “Bem” e “mal” tornam-se simples e claras forquilhas na estrada, sem as ambiguidades da civilização.

Rango adiciona mais uma camada de simplificação ao seu meta-comentário transformando seus personagens em bichos – os animais do deserto, saindo do pano de fundo de tantos dramas humanos e ganhando sua própria voz. Como Ésopo, La Fontaine e Monteiro Lobato sempre souberam, bichos são a redução mais eficiente para compreendermos a nós mesmos – e é isso que Gore Verbinski faz, com grande sensibilidade, cuidado e humor, usando cada pedaço da alegoria do western: o xerife relutante e o duelo na rua principal de Matar ou Morrer, as imensas paisagens da filmografia de John Ford, o herói sem nome (duas vezes – o próprio Rango, camaleão sem nenhum caráter como Macunaíma, não tem nome enquanto é bicho de estimação) do cinema de Sergio Leone, o bando de renegados e a câmera lenta de Sam Peckinpah. É lindo e delicioso de se ver, e peço a todo mundo que não amou Rango de cara que considere uma segunda oportunidade.

Paul é uma criatura ligeiramente diferente. Apesar de ter sido dirigido por Greg Mottola (Superbad, Adventureland), ele é obra da dupla Simon Pegg/Nick Frost, que escreveu o roteiro, interpreta os papéis principais e, assim,completa sua trilogia de revisões do cinema: terror com Shaun of the Dead, policial com Hot Fuzz e, agora, com Paul, sci-fi.

Há uma camada dupla de revisão no olhar de Pegg-Frost: ingleses, ambos, eles olham não apenas para o cinema, mas especificamente para o cinema de massa produzido nos EUA. São esses clichês, esses códigos, essas invenções que a dupla gosta de subverter – e subvertendo, homenagear.

Em Paul, Pegg-Frost acrescentam mais um elemento: eles agora estão nos EUA, seus personagens em peregrinação nerd da Comic Con em San Diego à Area 51 de Nevada a bordo do que imaginam ser a quintessencia do sonho americano on the road- um trailer gigantesco abarrotado de junk food. Em pouco tempo o verdadeiro ET que encontram no caminho (o Paul do título, dublado à perfeição por Seth Rogen) se torna menos alienígeno do que os nativos da América, seus estranhos hábitos alimentares, costumes peculiares e bizarras crenças. Ver a “exotização” da cultura norte-americana, tão propensa a transformar em “exótico” o que está além de suas fronteiras, é um dos muitos prazeres de Paul.

Os demais são contar quantas referências ao cinema de fantasia Pegg e Frost conseguiram empilhar nos compactos 104 minutos do filme, de Steven Spielberg a James Cameron, Contatos Imediatos a Guerra nas Estrelas, Deliverance e, é claro, ET. Nem todos os momentos são igualmente felizes, e nem todas as participações especiais são tão geniais quanto as de Jane Lynch e Sigourney Weaver, mas esta viagem  hilária, mágica e misteriosa totalmente vale a pena.

Dá pra ver o Charlie Sheen daí? Cena de Marte Precisa de Mães...

...e os produtores Zemeckis, Jack Rapke e Steve Starke,da ImageWorks Digital

Se o Brasil retoma a vida depois do carnaval, LA  volta ao normal depois do Oscar, fim oficial e real da temporada de prêmios. Neste momento do ano que afinal começa, duas crises tem ocupado a industria:  a de Charlie Sheen e da animação por motion capture, escola Robert Zemeckis.

O suspense da crise Charlie Sheen tem duas partes: como  CBS/Warner/Chuck Lorre vão reformular Two and a Half Men,  sua série campeã de audiênica nos EUA e principal exportação mundo afora; e se Charlie será capaz de se reinventar depois do que parece  um descontrolado suicídio profissional.

Saberei mais, pelo menos sobre a primeira parte, em breve.

Passemos portanto para a segunda crise, que foi selada esta semana com o desastre de  Marte Precsia de Mães, a derradeira obra da ImageMovers Digital, o estúdio de captura digital criado por Robert Zemeckis em parceria com a Disney em 2007. Apesar de boas críticas, o longa de animação, que custou mais de 200 milhões de dólares e dois anos de trabalho para realizar e lançar, rendeu minguados 6.9 milhões de dólares na bilheteria norte americana. E os mercados internacionais não vão ajudar: Marte fez apenas 2.1 milhões de dólares nos 8 países nos quais já estreou (o filme ainda não tem previsão de lançamento no Brasil).

Todo mundo parece ter uma explicação para o fracasso de Marte : o título, que teria afugentado os meninos; a história de mães abduzidas, que poderia ter assustado a criançada mais moça; o congestionamento de lançamentos de animação. Mas o mais convicente, para mim, é o mais óbvio: a proposta estética do tipo de captura que Zemeckis e sua equipe praticam é frio, esquisito, desconfortável e, mais importante, vastamente suplantado por outras opções, como a perfeição psicodéllica de Avatar ou a “emotion capture” de Rango.

Mars – escrito e dirigido por Simon Wells, mas produzido por Zemeckis- não é a primeira rejeição deste estilo de mocap : Os Fantasmas de Scrooge foi outro fracasso de bilheteria, capaz de segurar os 200 milhões de dólares de seu custo apenas depois do lançamento internacional. O Expresso Polar, seu antecessor no estilo Zemeckis de mocap, foi apenas ok na bilheteria em 2004 _ e ambos contavam com o clima de festas para gerar interesse. (Beowulf, voltado para um outro segmento de plateia, é um caso a parte, mas também foi salvo pela bilheteria internacional).

A ImageWorks Digital já havia sido ejetada pela Disney ano passado, e agora fechou de vez, demitindo não apenas os 450 técnicos, artistas e funcionários responsáveis por Mars, mas também todos os que trabalhavam no reboot de Yellow Submarine – que já está oficialmente cancelado.

É um drama comum em pioneiros: ver primeiro não significa necessariamente ter a melhor solução.

Nos idos de 2002 Zemeckis foi um dos primeiros a abraçar completamente o que se anunciava como a nova grande fronteira da linguagem cinematográfica: a capacidade de anular a divisão entre real e virtual, captado e manipulado. Infelizmente, a WETA de Peter Jackson disparou à sua frente, desenvolvendo a tecnologia necessaria para realmente integrar os dois aspectos, inserindo o virtual no real sem quebra de engajamento da plateia – pensem na primeira vez em que vimos Gollum em Senhor dos Aneis – e, finalmente, em Avatar,  possibilitando a completa fusão de ambos.

Acho muito interessante o que aconteceu com Rango – que, se vocês não viram, devem correr para ver, pois é o melhor filme de 2011, até agora. Talvez porque tenha sido concebido e executado por dois forasteiros no mundo  da animação – Gore Verbinski e a Industrial Light and Magic – o maravilhoso western existencial se permitiu pensar fora da caixa.

Verbinski escreveu o roteiro pensando em cinema em geral e não animação em particular – o melhor modo de se pensar, como já propunha Papai Walt Disney . E como não queria perder a capacidade de improvisação de seu velho amigo Johnny Depp, e a vitalidade que vem de um bando de atores interagindo – o equivalente a gravar um álbum ao vivo- Verbinski e a ILM inventaram um sistema entre o mocap e a animação digital, captando interpretações ao vivo de todo o elenco que serviram de base para criação de suas personas digitais.

Há tempos este sistema é usado por animadores tradicionais e digitais como base de sequencias mais complexas – a valsa entre Bela e Fera, por exemplo, no longa de 1991. Sem um passado de animador, Verbinsky olhou para o recurso como uma ferramenta criativa nova, que poderia ancorar toda a sua saga de habitantes do deserto vivendo uma saga meio Chinatown, meio Sergio Leone e um tanto Carlos Castañeda. O resultado é um filme que, além de maravilhoso por si mesmo, está sendo abracado entusiasticamente pelas plateias. Como merece.

Mais Rango no próximo.

Uma semana depois dos Oscars 2011, o consenso na industria é: não deu certo. A dupla de apresentadores não funcionou  (muita gente teve ataque de nostalgia quando Billy Crystal pisou no palco), um bocado de coisa não fez sentido ( Kirk Douglas? Javier Bardem e Josh Brolin todos de branquinho? James Franco de Marilyn, super sem graça? A interminável piada com Hugh Jackman?  O coral de crianças no final, de camiseta, com os vencedores empilhados em volta?). A audiência caiu (o terceiro menor índice em 58 anos de Oscar na TV),  e um dos raros momentos espontâneos e divertidos – o beijo e a dancinha entre Bardem e Brolin – ninguém (que não estava no Kodak) viu, porque o diretor de imagem resolveu cortar para Penelope Cruz, na plateia.

E não falamos nem dos prêmios… Mas este é um dos problemas crônicos do Oscar, essa preferencia pelo meio do caminho, uma espécie de disturbio de visão que enaltece o médio e perde a perspectiva da história. Afinal, este foi o prêmio que preferiu John Avildsen a Ingmar Bergman e Rocky,o Lutador a Taxi Driver, no mesmo ano (1977); que premiou  Como Era Verde o Meu Vale em vez de Cidadão Kane em  1942, A Volta ao Mundo em 80 dias em vez de Assim Caminha a Humanidade em 1957, Oliver! em vez de 2001 Uma Odisseia no Espaço em 1969, Gente como a Gente em vez de Touro Indomável em 1981, Crash-No Limite em vez de Brokeback Mountain em 2006…. Devo continuar?

Os problemas de visão da Academia seriam até pitorescos se não fossem agravados pelos outros. Lá nos idos de 1953, quando os acadêmicos faziam suas tradicionais bobagens premiando, por exemplo, O Maior Espetáculo da Terra em vez de Matar ou Morrer, o Oscar era o único prêmio de prestígio na industria (fora de festivais,)  e um dos maiores espetáculos da recem- inventada TV, com uma audiencia em torno de 45 milhões de espectadores. Isso queria dizer que praticamente todas as pessoas que tinham uma TV em casa, nos EUA, estavam assistindo a transmissão (entre 1950 e 1955 haviam 20 milhões de domicilios nos EUA com TV.)  O impacto cultural do evento era maciço em casa e cada vez mais substancial fora de suas fronteiras, onde os Estados Unidos, saindo de seu isolamento do começo do século 20, começava seu domínio cultural do pós-guerra.

E agora, quando existem dúzias de outros prêmios -muitos deles transmitidos em algum formato-  , uma fartura de outros canais de entretenimento e informação além da TV e o Império Americano não é mais o que era?

Como espetáculo, os Oscars são um problemão. Neste momento, estão em crise de identidade, e não sabem se são um grande show de TV (como os Grammys), uma festa (como os Globos que, com toda a sua idiossincrasia, ainda fazem escolhas melhores…) ou uma celebração da excelência profissional (como os prêmios das guildas).

Mas este é só parte do problema _ a pior parte é a possibilidade de perder o significado histórico. Para notar que filmes entraram para o imaginário coletivo do mundo, é mais fácil hoje, por exemplo, olhar para o desfile da Unidos da Tijuca do que para a lista de ganhadores do Oscar.

O cinema que fica é o cinema que lava, e leva, a nossa alma.

Eu, se fosse a Academia, me preocuparia com isso, acima de tudo.

Teria sido o número recorde de candidatos – 986, do Oiapoque ao Chuí, mais Alemanha,  Dinamarca, Grã Bretanha, Portugal, Japão e EUA – ou o fato de todo mundo meio que já saber que O Discurso do Rei ia ganhar? O fato é que este ano temos não um, não dois, mas OITO oráculos do Oscar! O recorde da pitonisa Danielle Lima – 21 acertos em 2009 – ainda não foi quebrado, mas Romeika Cortez, Conrado Heoli, Marcio Motta, Sergio Azevedo, Murilo Paier, Paulo Soares , Carlos Cirne e Gabriel Gonçalves acertaram 20 das 24 categorias tornando-se assim os Oráculos do Oscar de 2011.

(Pausa para a salva de palmas no nosso Kodak virtual).

A turma da prata também foi numerosa : Ricardo Pantarotto, Fabiano Prado, Fidel Madeira, Renato Veneziani,Leonardo Costa Santos, Bruno Portugal, Santana Moura, Felipe Schirmer ,Ramon Vitral e Igor Paiva acertaram 19 categorias e são, portanto, nossos vice-Oráculos 2011. A turma do bronze, com 18 acertos, foi tão numerosa que ia tomar este post quase todo, mas fica aqui registrada.

E, no fim das contas, não foi tanto aquele “melhor diretor” para Tom Hooper que mais  derrubou a galera : foram os dois Oscars de Alice no País das Maravilhas…. E deu dó desconsiderar muitas cédulas – os fatos diziam que elas estavam erradas, mas em termos de bom gosto e sabedoria cinematográfica, estavam perfeitas.

Aqui vão os momentos de justo triunfo de nossos Oráculos 2011:

Romeika Cortez, 28 anos, nasceu em Natal-RN, é jornalista, fotográfa amadora, blogueira, e mora em Copenhague, Dinamarca, onde é estudante do curso “Estudos de Cinema e Mídia” da Universidade de Copenhague . E, é claro, é  cinéfila de carteirinha desde os 11 anos.

“Desde cedo sempre procurei absorver o máximo possível sobre a sétima arte, seja através de filmes, seja através da literatura disponível no momento”, explica nossa Oráculo. “Redundante dizer isso, mas o cinema faz e sempre fará parte da minha vida.  Assisto a cerimônia do Oscar desde 1996, e não tenho um resultado tão satisfatório desde o ano de Titanic (!). Agradeço à Ana pela oportunidade, ao meus pais pelo estímulo que sempre me deram e à amiga (também cinéfila) Kamila Azevedo, que me ensinou dicas preciosas.”

O paranaense Conrado Hernandes de Oliveira nasceu dia 11 de junho de 1987, em Londrina,e, como os super-heróis, criou uma nova identidade.” Adotei o ‘Heoli’ como sobrenome por economia de caracteres e comodidade”, ele explica.

Como tantos mestres da sétima arte seu primeiro contato mais significativo com o cinema foi quando trabalhou numa locadora de vídeos, “Eu retirava um filme por dia e uns 5 ou 6 por final de semana” ele admite. “ Na época descobri Hitchcock, Kurosawa, Wilder e outros mestres que ainda estão entre meus artistas favoritos.”

Hoje  Conrado estuda  Publicidade e Propaganda, escreve para o blog www.litcine.blogspot.com e trabalha com a programação e divulgação da Sala de Cinema Ulysses Geremia, em Caxias do Sul, Rio Grande do Sul.
“ Diferente da Melissa Leo, prometo não falar palavrões, embora alguns descrevam bem meu atual estado de alegria. Ser um dos oráculos do Oscar no Hollywoodianas, espaço que sempre foi um de meus referenciais no que diz respeito ao cinema, é muito gratificante! Quero agradecer a Ana pela oportunidade, aos meus amigos Marcelo e Rafael, que me acompanharam até as 2h da manhã assistindo ao Oscar (horário do Brasil em que a cerimônia terminou) e a meus pais, que não me xingaram quando vibrei alto no momento em que ganhei (pela 4ª vez) o bolão anual do qual participo. Este foi o primeiro ano em que enviei minhas apostas ao famoso Oráculo do Oscar, embora já tenha tido mais acertos em outros anos (em 2009 foram 20!), e fico extremamente feliz por receber este prêmio tão importante. Que a força oracular esteja com vocês!”

Murilo Paier, 17 anos, é estudante em Belém. “Apesar de não ser muito longa, minha relação com o cinema apesar de não ser muito longa é muito forte”, diz o jovem Oráculo.

O designer e cinéfilo Carlos Cirne, 52 anos, mora em São Paulo/SP.

Através de sua empresa. Ma.ca Arte Eletrônica ,Carlos é responsável pelo projeto gráfico da Coleção Aplauso, da Imprensa Oficial do Estado, que procura preservar a memória de artistas brasileiros – atores, diretores, roteiristas e técnicos – na área de Teatro, Cinema e Televisão, com mais de 300 títulos lançados, em oito anos.

Com seu sócio Marcelo Pestana,  Carlos também é co-editor da newsletter de entretenimento Colunas & Notas, veículo diário on-line dirigido a jornalistas e formadores de opinião, cobrindo as áreas de Cinema, Teatro, Literatura e Home Entertainment.

“Gostaria de agradecer àqueles que, com sua arte, me permitiram desenvolver esta paixão por esta que, sem dúvida, ainda é a Maior Diversão: o Cinema.

Agradeço a Fred Astaire, Gene Kelly, Ingrid Bergman, Audrey Hepburn, Bette Davis e, porque não, Billy Wilder, George Lucas e Steven Spielberg. Obrigado! (sobe a orquestra)”

Ernestine Jane Geraldine Russell, 21 de junho de 1921- 28 de fevereiro de 2011

“A fama é terrível. Especialmente quando não se tem.”

Hollywood Boulevard, hoje pela manhã

O Oscar 2011 já está decidido, mas apenas os contadores da PriceWaterhouseCooper sabem disso. Os votos fecharam ontem à tarde e foram encaminhados  imediatamente à contadoria . Quando você estiver lendo este post os resultados já terão sido apurados, e os vencedores, estabelecidos _ agora é a hora de preparar os cartões fatais, colocá-los nos envelopes e lacrá-los.

Antes que vocês perguntem: as estatuetas não recebem os nomes vencedores nesta etapa. Em números muito maiores que o necessário – por garantia- as estatuetas ficam nos bastidores do Kodak, com placas em branco. Depois da entrega, elas são enviadas para a gravação dos nomes e devolvidas aos vencedores.

Nas últimas 48  horas da disputa Christopher Hitchens, que não tolera bobagens, massacrou O Discurso do Rei por sua “memória seletiva” na reconstituição dos fatos em torno do reinado de Jorge VI e seu pai. Jorge V; Annette Bening deu entrevistas para praticamente todos os programas de TV; Harvey Weinstein correu com Colin Firth para cima e para baixo de todas as festas, recepções e eventos, e explorou ao máximo o endosso da família real ao Discurso; Lucy Walker, diretora de Lixo Extraordinário, deu uma entrevista na qual não consegui achar a palavra “Brasil”; e o divulgador de Geefwee Boedoe, diretor do curta Let’s Pollute, desfechou emails  dizendo que o filme era o “Davi diante do Golias da Pixar” – o favorito Day and Night (isso  nunca dá certo…)

Teddy Newton, diretor de Day and Night, na recepção da Academia

Isso apenas no campo “estratégia”. No setor “produção”, a Academia abriu as portas para festejar os curtas de animação indicados; o tapete vermelho começou a ser instalado na entrada do Kodak; Anne Hathaway e James Franco ensaiaram um tributo a Nos Tempos da Brilhantina; e soube-se o por que de não haver prévia dos cenários, como é costumeiro –  os produtores Bruce Cohen e Don Mirscher optaram por um cenário minimalista, praticamente nu, que será alterado exclusivamente através de projeções. “Será um cenário virtual, que vai nos possibilitar levar a plateia a diversos momentos da história do cinema”, disse Cohen.

O que também não vai acontecer: vários indicados anteriores apresentando prêmios e falando sobre os indicados do ano; e longas montagens de clipes, como aquele tributo aos  filmes de terror do ano passado. O que voltou: “o Oscar vai para…” e  interpretação integral de todas as canções indicadas.

Esta noite, os documentaristas serão homenageados. Vamos ver o que vai rolar…

O novo envelope dos oscarizados: inspiração art deco

Pronto: chegamos aqui, na reta final. Amanhã, terça feira, as 17h, todos os envelopes com os votos finais para o Oscar 2011 tem que estar na sede da Academia, em Beverly Hills. Quem optou por votar na categoria “filme estrangeiro” tem que submeter um segundo envelope com seu voto e a “folha de frequencia” mostrando que viu todos os indicados nas sessões oferecidas pela Academia.

As ruas em torno do Kodak já começaram a mudar de cara, e muitas delas em breve estarão fechadas ao trânsito e aos pedestres (um desatino para quem, como eu, tem que atravessar Hollywood para chegar ao lado oeste da cidade…).

No lado prático da festa, uma novidade serão os envelopes e cartões com os nomes dos vencedores, redesenhados pelo ultra-guru dos convites de LA, Marc Friedland. Por incrivel que pareça na longa história do Oscar os cartões com os nomes dos vencedores eram apenas papelaria comum do uso normal da Academia.

O novo desenho  supre essa lacuna. Agora, os nomes dos oscarizados vem gravados em ouro e emoldurados em vermelho num papel de cor bege claro, de altíssima qualidade, precedido das palavras “E o Oscar vai para…” O envelope, dourado, tem forro vermelho com motivos art-deco, e o selo da contadoria PriceWaterhouseCooper.

Curiosidade, antes que vocês perguntem: são impressos cartões com os nomes de todos os indicados. Na véspera da festa, apurados os votos, os cartões correspondentes aos ganhadores são colocados nos envelopes, lacrados e timbrados. Todos os demais são destruídos. E sim, o oscarizado fica com seu envelope e cartão (além da estatueta, é claro).

Os produtores Bruce Cohen e Don Misher se dizem “entusiasmados” com a “sintonia instantânea” entre os apresentadores Anne Hathaway e James Franco. Os clipes promocionais que estão fazendo tanto sucesso na rede foram gravados um dia depois do anúncio dos apresentadores, quando Hathaway e Franco estavam trabalhando juntos pela primeira vez, e a facilidade com que os dois interagem é clara.

Sobre o restante da festa, o que se sabe é que Helen Mirren e Russel Brand apresentarão um segmento juntos (meu palpite: o clipe de O Discurso do Rei, com muitas piadas sobre a família real) , que Scarlett Johansson será uma das apresentadoras, que o coral da escola PS 22, de Staten Island, Nova York, vai fazer uma apresentação como parte do clima “história do cinema” que vai dominar a festa *o que diz: será “Over the Rainbow”, no segmento dedicado a O Mágico de Oz).

Segundo Cohen, em vários momentos da noite o palco do Kodak será transformado “através de luz e elementos de cena” e voltaremos no tempo a “algum momento importante da história do cinema.”

Obra de Banksy nas ruas de LA?

Muito bem. E qual serão as incógnitas? Em primeiro lugar, Banksy. O misterioso artista, personagem (e autor?) do documentário Exit Through the Gift Shop, indicado e um dos favoritos para ganhar o Oscar na categoria, está em Los Angeles desde a semana passada, grafitando nas ruas (e tendo suas obras prontamente apagadas pelos donos dos espaços). Bansky tem todo direito de comparecer ao Kodak, e a Academia já disse que ele será recebido “de braços abertos” mas… como ele vai aparecer?

Uma teoria recente é que, para manter seu precioso anonimato, várias pessoas comparecerão ao Kodak dizendo ser Banksy , o que é um problemão para os estritos sistemas de segurança do Oscar. Pior vai ser se ele ou seus alter-egos estiveram com as costumeiras máscaras com que Banksy guarda sua identidade secreta. Ou – numa possibilidade que está deliciando todo mundo que acha a festa muito chata – que um bando de pessoas em trajes de gala e máscaras pulem no palco dizendo ser Banksy…

A outra incógnita é o tempo. O Oscar tem uma sorte brutal e, no passado, frentes frias, comuns nesta época do ano na California, interromperam a chuvarada a tempo do tapete vermelho. Uma delas se encaminha rapidamente para Los Angeles esta semana, e promete muita chuva e muito frio  no fim de semana. Conseguirá a Academia desviá-la a tempo?

A tradição começou em 1981: no intervalo entre o envio das cédulas para os votos finais e o prazo para sua entrega a Academia convida todos os indicados para um almoço de confraternização. “É um momento sem competição numa temporada marcada pela competição”, me disse certa vez uma porta voz da Academia. “Uma lembrança do por que da Academia e dos prêmios.”

Este ano, 150 dos 190 convidados compareceram ontem à tarde ao International Ballroom do Beverly Hilton (ironicamente, onde são entregues os Globos de Ouro) para um menu de salmão, filê mignon, jardineira de legumes e sobremesas sortidas de chocolate. Aqui, alguns momentos (todas as fotos cortesia A.M.P.A.S. Fotógrafos: Darren Decker , Todd Wawrychuk, Richard e Greg Harbaugh e Ivan Vejar).

Chegando ao Beverly Hilton: os fãs de Anorofsky…

…as luvinhas de Helena Bonham Carter…

…e o reencontro do rei e do professor_ Colin Firth e Geoffrey Rush (com minha amiga Melody Korenbrot ao fundo, super estressada…)

Na tradicional pose para a foto da “turma do ano”: Annette Bening usou seus privilégios de diretora do Departamento de Atores e foi para o colo de Jeff Bridges…

… mas James Franco arranjou uma cadeira para a supergrávida Natalie Portman (com o apoio de John Lasseter e Chris Nolan)…

… enquanto Mark Ruffalo, Michelle Williams e o extraordinário DP Matthew Libatique (Cisne Negro) sorriem para a câmera.

No salão: los amigos Javier Bardem e Alejandro González-Iñarritu…

…Nicole Kidman e o co-presidente da Fox, Jim Gianopulos…

… e o diretor Tom Hooper (O discurso do rei) fazendo média com o presidente da Academia, Tom Sherak, e Warren Beatty.

E finalmente, os arqui-rivais Jesse Eisenberg e Colin Firth. Qual seria o diálogo?

Vamos primeiro ao que mais interessa: Avatar 2 e 3 estão neste momento em pre-produção, para serem filmados em sequencia  e “completarem o arco da história, dentro do formato de uma trilogia.” E não, ele não vai filmar nenhum deles no Brasil – “os cenários são praticamente todos virtuais, vamos filmar num galpão qualquer” – mas quer levar integrantes do elenco e da equipe à Amazônia, para conhecer os kaiapó e “uma verdadeira questão de conflito ecológico “ – a construção da usina de Belo Monte, a que Cameron se opõe veementemente.

Além disso, Cameron está perfeitamente feliz com Santuário (Sanctum) o primeiro filme que ele assina como produtor desde o mega-sucesso de Avatar, e que estréia hoje (sexta dia 4) em todo o mundo. “O objetivo deste projeto não era criar algo novo em termos de tecnologia, mas mostrar que era possível fazer um espetáculo envolvente de ficção sem ter que gastar 300 milhões de dólares “, ele diz – bronzeado, em forma, tranquilo, tomando chá gelado numa tarde de fim de semana em Los Angeles. “Eu estava em pós-produção em Avatar enquanto eles filmavam Santuário, e tinha toda confiança na capacidade de Andy (Wight, produtor de Santuário e dos documentários de Cameron) e Alister (Grierson, diretor do filme) para resolver o que eu sabia que seriam tremendos problemas de realização de um projeto assim _ atores mergulhando, filmagens debaixo d’água, iluminação na água..”

Os 20 minutos de conversa rendem bastante:

O que você pode contar sobre Avatar 2 e 3?

_ São uma continuações naturais da história, modos de explorar completamente o universo de Pandora… e além. Eu tenho esse problema constantemente na minha carreira: eu invento uma coisa antes de ser capar de realizá-la. Aí tenho que correr para criar a tecnologia necessária para tornar real o que eu imaginei… Avatar foi o caso mais dramático, o projeto que eu vivia adiando porque a tecnologia ainda não existia. Agora este problema está resolvido: a equipe técnica está composta, a tecnologia foi testada e aprovada. Não vamos precisar gastar aquela fortuna para criar os personagens, e além disso todo mundo já fala na’vi… (ele ri)… Meu foco é continuar a história dos personagens de Zoe Saldana e Sam Worthington e, ao mesmo tempo, trazer novos personagens e novos ambientes em Pandora e além.

O projeto está em que etapa?

_ Estamos neste momento trabalhando com a equipe técnica criando novos softwares, aprimorando a sequência de produção. Estamos criando um novo estudio virtual que provavelmente estará completamente operacional em outubro ou novembro. Ainda estou trabalhando  nos roteiros e ainda não começamos o processo de design. Isso vai ser deslanchado logo a seguir, com o trabalho nas novas criaturas. A ideia é fazermos os dois filmes num único processo de produção, o que se convencionou chamar back-to-back.

Se você não fosse um homem de cinema, o que seria?

_ Um cientista, um engenheiro ou um explorador, provavelmente. Ou talvez um artista plástico, já que sei pintar e desenhar. Se eu pudesse ser todas essas coisas ao mesmo tempo, eu seria. O mais próximo que cheguei disso foi ser diretor de cinema…

Que outros diretores você admira?

_ Do passado, os pioneiros, dos anos 30 e 40, os que encararam e resolveram as primeiras questões do cinema. Os rebeldes dos 60 e 70, principalmente Coppola, que teve um impacto enorme em mim pela audácia, pela determinação de  seguir plenamente sua visão. Hoje tenho grande admiração por pessoas como Robert Rodriguez e Zack Snyder, que estão abordando o cinema com olhos novos e mudando rapidamente todas as regras. E visionários como Chris Nolan.

O que você tem a dizer sobre os comentários de Walter Murch sobre a ineficácia do 3D como ferramenta narrativa?

_ Respeito muito Walter mas ele está errado. Simplesmente errado. Pode ser que não funcione para ele, e quem sou para julgar o que ele sente ou não. Mas ele não pode estender essas conclusões para o público em geral.  O fato do 3D ter sido aceito tão maciçamente como foi não depende de mim ou do fato de que, como realizador, o 3D me interessa como modo de expressão. Os espectadores experimentaram, gostaram e adotaram. É um fenômeno impulsionado pelo mercado.

A câmera Fusion 3D Cameron/Pace em ação no tanque-set de Santuário

Mas existe 3D e 3D…

_ … e é o que venho dizendo desde sempre! E tem muito realizador teimoso que não quer escutar! Não adianta converter. Não adianta fazer 3D como uma ideia posterior ao filme, ah, vamos por um 3D aí para atrair mais público. O 3D tem que ser pensado como parte da narrativa, e parte da questão é _ esta é uma narrativa que pode se beneficiar do 3D?  É o mesmo problema trazido pela cor ao longo da história do cinema – meu filme é melhor em cor ou pb? Entre os meus favoritos estão duzias de filmes pb, assim como dezenas de filmes cor. Cada um é genial por seus proprios motivos. O público sabe. O público de hoje, principalmente o público que cresceu na era digital, com games, com animação digital, sabe o que é bom 3D, bem usado, e o que  é 3D vagabundo.

Obviamente você não acredita que o digital e o 3D vão matar o cinema como forma de expressão criativa e inteligente?

_ Desde que faço cinema eu ouço que o cinema vai morrer. Quando eu comecei, era o video cassete que ia matar o cinema. Mas sobrevivemos a ele, sobrevivemos ao DVD, sobrevivemos ao streaming, à pirataria, a tudo isso, e continuamos indo em frente. Há algo muito especial sobre ver cinema e não é apenas o aspecto comunitário, o fato de estarmos todos juntos numa sala escura compartilhando uma experiencia. O cinema oferece algo profundamemte humano que é a capacidade de nos perdermos numa narrativa e, dessa forma, reforçarmos o que é humano em nós.