Cena de The Green Inferno, de Eli Roth

Numa semana paradona aqui em LA, espremida entre o feriadão do Dia do Trabalho norte-americano e o Ano Novo judaico e com metade da cidade espalhada pelos festivais de Veneza e Toronto, uma notícia se destacou para mim: depois de muitos anos de idas e vindas, acelerações e desistências, o projeto de The Lost City of Z vai andar.

Brad Pitt, que, em 2008, opcionou junto com a Paramount os direitos do livro de David Grann (que por sua vez expandia sua sensacional matéria de 2005 para a revista New Yorker), será apenas o produtor. Em seu lugar, no papel principal, do explorador inglês Percy Fawcett, entra Benedict Cumberbatch, o ator mais solicitado do momento (só neste fim de ano ele poderá ser visto em O Quinto Poder, 12 Years a Slave e August:Osage County. Sem falar no Star Trek do primeiro semestre e a nova temporada de Sherlock, que vem por aí…). James Gray assume a direção.

Percy Fawcett….

… e Benedict Cumberbatch.

Tenho acompanhado esse projeto por dois motivos.  Um, porque acho a história de Fawcett fascinante :obcecado em descobrir uma cidade perdida na Amazônia, possivelmente o mesmo Eldorado que enlouqueceu tantos outros exploradores, Fawcett desapareceu na Amazônia em 1925, deixando um rastro de mistério e controvérsias que ainda não terminou.

Dois, porque é uma dessas raras histórias  que permite uma real colaboração entre o Brasil e o cinema internacional em bases mutuamente produtivas.

Ainda não se sabe como essa produção vai ser tocada em termos práticos. Com um bom roteiro e as mãos de um diretor sensível como James Gray, pode ser uma grande história sobre o eterno caso de paixão, ilusão e rejeição entre europeus e a força absoluta da Amazônia, que tão raramente é bem capturada pelo cinema, onde as coisas acabam ficando mais para Anaconda do que, digamos, o Aguirre de Werner Herzog.

“Canibais” escolhem o lanche, em The Green Inferno

No outro extremo das minhas expecativas está The Green Inferno, de Eli Roth, que está em pré-estréia no festival de Toronto. Roth disse que sua principal inspiração foi o terror-trash/fake reality Holocausto Canibal (Ruggero Deodato, 1980), embora (palavras dele) “com o visual de um filme de Terrence Malick”.

Numa curiosa nota à parte, a produção exibiu Holocausto Canibal para a população do isolado vilarejo na Amazonia peruana que serviu de locação a Inferno. Segundo Roth, o pessoal local achou que era uma comédia divertidíssima.

Sendo Eli Roth, a história dos ativistas ecológicos que se embarafustam pela Amazonia adentro e acabam capturados por uma tribo de canibais já é mais ou menos previsível. O que achei interessante, aqui, foi a colaboração latino-americana em torno do projeto: o roteiro do uruguaio Guillermo Amoedo e do chileno Nicoláz López (responsáveis por Aftershock, que Roth estrelou e produziu) , as locações no Peru e no Chile. Um lugar onde, nas palavras de Roth “está havendo uma nova renascença no cinema, na música… é um dos lugares com mais energia, hoje.”

As primeiras  imagens de Guerra Mundial Z (World War Z, Marc Foster, 2013), logo nos créditos, dizem tudo o que precisamos saber para compreender porque este thriller  acaba mexendo com muitas outras áreas da nossa emoção: formigueiros, bandos de pássaros, manadas em migração pelas savanas, animais selvagens exibindo suas  presas, multidões comprimidas em metrôs, escadas rolantes, shoppings, ruas. Foster está propondo a ideia do animal que nós somos, e do quanto  nossa explosão demográfica sobre o planeta nos coloca  numa posição complicada, ao mesmo tempo de domínio e fragilidade.

Adaptado muito livremente do best seller homônimo de Max Brooks, Guerra Mundial Z, com todos os problemas de produção que teve – acidentes, paradas, recomeços, alterações impostas, etc—é um ótimo filme, muito mais inteligente do que tem necessidade de ser.  Não tem o tempo e a calma de uma série de TV para fazer, como The Walking Dead, uma reflexão sobre quem são e como se comportam os humanos quando confrontados com sua mortalidade. Mas tem a capacidade de dar uma dimensão maior e muito mais humana ao que poderia ser mais um desses blockbusters barulhentos cheios de efeitos onde nada realmente comovente acontece.

E sim, se você gosta da deliciosa/terrível sensação de sentir um medão na segurança de sua poltrona no cinema, este é o seu filme.

Brad Pitt, em seu modo operacional profético-salvador, com barba e grandes olhos azuis que parecem sempre à beira das lágrimas,  é Gerry, um investigador das Nações Unidas recém-aposentado. Embora não tenha os super-poderes de seus colegas de temporada, Gerry deve ter sido treinado pela turma do Bourne _ sabe usar armas, pilotar aeronaves e administrar cuidados médicos de emergência em qualquer situação. Mas o fato de Forster nos apresentar Gerry como um pai de família, fazendo panquecas para a esposa (Mireille Enos, ótima e infelizmente pouco aproveitada) e filhas imediatamente nos alerta para sua humanidade . Estamos convidados a ver o filme, por mais impossível que seja, pelos olhos dele, que tem tanto em comum com os nossos.

E muito rapidamente o caos anunciado na abertura e no ruído das notícias que serve de pano de fundo (artifício comum em thrillers, mas bem usado, aqui) invade a tela. Quem viu o trailer conhece, ao menos em parte, estas imagens, mas  a sequência inteira é uma aula de narrativa de ação, bem dirigida, bem pensada, bem editada. O risco é real, imediato e profundo: algo está transformando seres humanos em formigueiros loucos, presas à mostra, destruindo tudo no caminho.

Gerry é convocado pelas Nações Unidas, única entidade que parece ter sobrevivido ao apocalipse zumbi, e despachado mundo afora para tentar descobrir a origem do cataclisma e sua possível cura.  As costuras de onde a narrativa foi alterada e re-orientada estão bem aparentes, mas a precisão do ritmo e a consistência da visão de Forster mantêm Z no rumo certo o tempo todo.

Perde-se a maravilhosa Mireille Enos, que fica lá no porta-aviões da ONU com as filhas, reduzida a fazer caras preocupadas e ligações no telefone por satélite nas horas mais incovenientes. Ganha-se uma série de perfeitas sequências de ação, inclusive, ecoando o que David Denby disse em sua resenha no New Yorker, o melhor uso de efeitos digitais desta temporada-pipoca _ o assalto aos muros de Jerusalém por um tsunami de zumbis.

O final é meio assim-assim, com cara de ter sido arreglado na última hora para garantir uma continuação. Mas a essa altura você já está bem feliz de ter sobrevivido incólume a tantos sustos, e compreendido, quem sabe, um pouco mais sobre por que o mito do zumbi é tão popular, principalmente em épocas de crise financeira, política e moral: porque um zumbi não é um monstro, somos nós, desprovidos de nossa humanidade.

Guerra Mundial Z está em cartaz nos EUA e estreia dia 28 no Brasil

Começa hoje o festival (e mercado) de Cannes. E este ano ele vem acompanhado de uma tremenda expectativa: quantos títulos o festival vai catapultar para os prêmios de fim de ano?

Nem sempre foi assim. Muito pelo contrário. Cansei de ver sensacionais filmes premiados (e até vencedores, como o genial Underground, de Emir Kusturica, em 1995) demorar uma eternidade para conseguir –  ou não conseguir de jeito nenhum –  distribuição em mercados além dos seus países de origem, especialmente o cobiçado mercadão norte americano.

Muita coisa mudou desde então:

•  Os mercados internacionais, fora de EUA/Canadá, tornaram-se muito mais importantes tanto como fonte de receita quanto como geradores de produção com possibilidades além de suas fronteiras.
•  A recessão levou os grandes estúdios a abandonar a produção do que não fosse estritamente comercial, com retorno o mais garantido possível dentro da indústria louca do cinema, criando uma lacuna importante.
•  Os prêmios de fim de ano assumiram uma importância além da vaidade dos concorrentes e interesse dos fãs: são cada vez mais as principais ferramentas de marketing para qualquer filme que não seja um arrasa-quarteirão apoiado por um milionária campanha de divulgação.

Ano passado, o poder combinado da Croisette e dos irmãos Weinstein  conseguiu um fato inédito: tornou um filme francês, mudo, preto e branco e com atores desconhecidos o grande vencedor do Oscar e um sucesso de bilheteria pelo mundo afora. Além de O Artista, outros filmes premiados/destacados em Cannes foram para os prêmios de fim de ano e conseguiram uma visibilidade muito maior do que poderiam esperar: Meia Noite em Paris (a maior bilheteria da carreira de Woody Allen), Árvore da Vida, Drive.

O que pode acontecer este ano? Algumas apostas:

The Paperboy: o novo filme do diretor de Preciosa tem Mathew McConaughey e Zac Ephron como dois irmãos que tentam provar que John Cusack é inocente de um crime pelo qual foi condenado. Nicole Kidman é a apetitosa namorada do bandido.

Mud: Matthew McConaughey de novo (este pode ser seu ano, afinal…) neste drama com elementos fantásticos assinado por Jeff Nichols, diretor de uma sensação de Sundance, o ótimo Take Shelter.

 On the road: Tudo no projeto – a expectativa, o material de origem, a assinatura de Walter Salles, o elenco – promete. A IFC/Sundance Selects  pegou o filme para os cinemas nos EUA (HBO na TV) _ ano passado eles emplacaram Pina…

Rust and Bone: Jacques Audiard em seu primeiro filme desde Un Prophete : um drama inspirado em fatos reais, sobre uma treinadora de baleias (Marion Cotilliard) envolvida num acidente medonho.

Beasts of the Southern Wild: a grande sensação de Sundance deste ano foi esta fábula mágica e quase abstrata sobre uma família numa comunidade isolada numa ilha da costa sudeste dos Estados Unidos. Ecos de Terrence Malick e muita promessa para o diretor estreante Behn Zeitlin

Killing them Softly: Brad Pitt volta a trabalhar com o diretor de O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford, Andrew Dominick, num policial sobre um caçador de recompensas com a máfia em seu encalço. Elenco da pesada: Ray Liotta, James Gandolfini, Richard Jenkins. Os Weinstein já puseram a mão e… já ouvi tanto zum zum sobre este filme que, espero, as expectativas não estejam altas demais…

Lawless: Outro que já está na mão dos Weinstein _ John Hillcoat (A Estrada) dirige Tom Hardy, Shia LeBeouf , Guy Pearce, Gary Oldman e Jessica Chastain num drama da época da Lei Seca nos EUA. Mais um que já tem zum-zum por aqui…

 Post Tenebras Lux : O novo cinema mexicano a todo vapor na mais recente obra de Carlos Reygadas (Luz Silenciosa, Batalla en el Cielo), um drama fantástico sobre universos paralelos.

 Cosmopolis: David Cronenberg adapta o livro de Don DeLillo sobre um  dia na vida de um jovem executivo (Robert Pattinson) enquanto ele atravessa Manhattan. Paul Giamatti e Juliette Binoche no elenco.

Antiviral: Brandon Cronenberg (sim, filho de David) estreia na direção voltando às raízes da familia com um thriller de terror sobre um  super vírus assassino.

Amour : Michael Haneke explora o que acontece numa familia sob o peso da idade avançada e da doença. Com Jean Louis Trintignant e Isabelle Hupert.

Agora é ver como esses (e outros..o melhor de Cannes são as supresas) títulos vão se comportar na Croisette e além dela…

Glenn Close, Kenneth Branagh, Michelle Williams e Janet McTeer no almoço dos indicados.

Com menos de 20 dias até a grande noite do Oscar, e apenas duas semanas até a data fatal de entrega dos votos finais – 21 de fevereiro às 17h, horário de Los Angeles – 150 indicados lotaram o International Ballroom do Beverly Hilton ( o mesmo dos Globos de Ouro), nesta segunda feira, para seu tradicional almoço de confraternização.

Brad Pitt e George Clooney continuaram o papo iniciado nos Globos,  Rooney Mara confirmou que realmente fez piercing no seio para viver Lisbeth Salander, Tom Hanks deu instruções (via video) de como fazer discursos curtos e o presidente Tom Sherak anunciou que o Governors  Ball não terá cadeiras ou poltronas para “todo mundo poder cicular, em clima de festa e não de jantar formal” Felizmente Sherak anunciou que haveria “muita comida” disponível. É uma tradição, todos os anos, a fila de gente chique, de longo e smoking, na porta da hamburgueria In and Out, a algumas quadras do Kodak, depois de quatro horas de fome durante a cerimônia ….

Sergio Mendes, indicado para melhor canção por “Real in Rio”, não parecia preocupado com a possibilidade de apresentá-la no palco do Kodak (os produtores  Bria Grazer e Don Mischer estão planejando cortar todos os números musicais da evento). Sérgio pipocava de felicidade em voltar ao Oscar. Com seu grupo Brasil ’66, Sérgio interpretou indicada “The Look of Love”, de Burt Bacharah e Hal David no Oscar de 1968, e a  apresentação que catapultou-o para o topo das paradas e para o grande público norte americano. Agora, ele era todo sorrisos enquanto conversava com a turma de O Artista e saía atrás de seu ídolo, Steven Spielberg.

Close da turma de "formandos": Glenn Close, Jean Dujardin, George Clooney, Chris Columbus e Damian Bechir

Depois , como estudantes em dia de formatura, um a um os indicados foram chamados – em ordem alfabética do sobrenome – para receber seu certificado de indicação e juntar-se ao grupo da foto oficial da “turma de 2012”. Não se sabe se cansada de esperar pela letra “S” ou entediada com os outros muitos certificados que já tem, Meryl Streep deitou-se no topo da arquibancada do cenário da foto oficial esperando sua hora.

Martin Scorsese e Max Von Sydow em papo durante a sessão de fotos oficiais

E, num ritual que ganha popularidade a cada ano, os jornalistas presentes anotaram cuidosamente o nível de aplausos dos convidados para cada nome chamado. Constam as escritas que quem é mais aplaudido tem mais chances de levar a estatueta para casa…. O palmômetro 2012 deu picos para Max von Sydow. George Clooney, Brad Pitt, Gary Oldman, Jean Dujardin, Meryl Streep, Michelle Williams, Kenneth Branagh, Octavia Spencer , Glenn Close ,Viola Davis e, inesperadamente, Demian Bichir (Christopher Plummer não foi ao almoço).

Arrisque-se quem quiser…

A turma de 2012

Devo, não nego, um apanhado dos primeiros lançamentos da temporada-ouro. Comecemos por aqui:

“Existem 10 mil ruas nesta cidade e eu conheço todas elas “, diz a narração off. “Eu dirijo. Não carrego armas, não participo de nada. Dou a você duas horas. O que acontece nessas duas horas é responsabilidade minha. O que acontece antes e depois, eu não quero  saber.”

A voz é do anônimo motorista/dublê vivido por Ryan Gosling em Drive, o excepcional filme que marca a estreia do diretor dinamarquês Nicolas Winding Refn numa produção norte-americana (ainda que independente, cortesia da Film District, divisão da GK Films).

Drive começou como um belo livro  de James Sallis, um expert no neo-noir que explora a evolução do crime sob o sol de California, Arizona, Nevada, nas décadas depois da sacramentação do gênero. Na adaptação magistral de Hossein Amini (Paixão Proibida, Asas do Amor), cenário, tramas e personagens foram depurados e concentrados: tudo se passa agora entre uma oficina mecânica, um prédio modesto e uma pizzaria , com um set de filmagem e uma loja de penhores no meio, entre as 10 mil ruas do vasto, complicado município de Los Angeles.

Numa feliz sincronicidade que pode ser obra tanto do acaso quanto de intensa colaboração, o motorista sem nome de Ryan Gosling é a soma perfeita de todos os heróis/antiheróis da obra de Refn: lacônico, contido, seu mundo interior, emocional, trancado a mil chaves e só percebido por mínimos gestos, expressões, olhares.

Refn, que não conduz (porque foi reprovado várias vezes na prova de direção), foi escolhido pessoalmente por Gosling, fã de seu trabalho e do livro de Sallis. Depois de um primeiro encontro desastroso – Refn, gripadíssimo, passou mal à mesa – uma carona de Ryan e uma longa conversa on the road cimentaram a colaboração para criar o protagonista, absolutamente central à história. Nas palavras de Refn, “um homem que se define pelo que faz _ no caso, dirigir.”

Exemplo perfeito: a sequencia de abertura, um primor de fotografia, som e montagem, onde, sem diálogo, passamos a saber tudo sobre o personagem de Gosling, enquanto ele pratica, brilhantemente, seu segundo emprego _ pilotar carros de fuga para grandes roubos. Seu primeiro emprego é motorista-dublê em filmes, o que imediatamente cria uma interessantíssima justaposição de ficção e realidade, tão perfeita tradução de Los Angeles.

O gradual envolvimento com uma vizinha – Carrie Mulligan, excelente – leva nosso anti-herói a um “trabalho” especialmente arriscado, que vai abalar todas frágeis cadeias de seu pequeno mundo: a oficina mecânica do seu mentor – o sempre extraordinário Bryan Cranston, no avesso do seu Mr. White de Breaking Bad – e Nino (Ron Perlman) e Bernie (Albert Broks, absolutamente sensacional) os donos da pizzaria e investidores do seu possível novo projeto, um espetáculo ambulante de stunts.

Refn dirige Drive com o rigor e a clareza de olhar que são a marca do seu trabalho, referenciando as raízes inteligentes do filme de ação – Acossado, Operação França, Bullit – mas traçando seu próprio risco, um ambiente ao mesmo tempo intensamente real e estilizado, onde cada gesto, cada luz e cada sombra tem significado (e aqui, palmas à parte para a fotografia e Newton Thomas Sigl).

Absolutamente imperdível.

Drive está em cartaz nos EUA e ainda sem data de lançamento no Brasil.

É possível ver um filme lindamente dirigido, superbem escrito e com grandes desempenhos de bons atores e não se sentir investida emocionalmente nele nem por um segundo? Deve ser, porque foi o que aconteceu comigo em Moneyball.

Dirigido por Bennett Miller (Capote), Moneyball traz outro herói solitário e de poucas –mas boas- palavras: Billy Beane (Brad Pitt, bem escolhido e desempenhando à altura), cartola do time de beisebol Oakland Athletics que, em 2002, cansado de ver o time nadar, nadar e morrer na praia, abandonou os métodos tradicionais de escalação e, com a ajuda de um nerd formado em economia (Jonah Hill, ótimo), passou a escolher jogadores através de um software que leva em conta as estatísticas de desempenho de cada um.

É uma história verdadeira, contada no livro de não-ficção de Michael Lewis e  adaptada maravilhosamente pelos craques Steve Zaillian e Aaron Sorkin. Como em outro filme escrito por Sorkin – A Rede Social – e de certa forma como em Drive, Beane é um herói solitário andando contra a corrente, buscando apenas em si mesmo a força necessária para prosseguir.

Miller, fiel às suas origens como documentarista, mistura material documental com o filme em si, e enquadra com enorme inteligencia cada tomada, situando Beane em seu mundo e abrindo espaços para seu fugidio mundo interior – como o do anti-heroi de Drive, um mundo secreto, contido, nascido das frustações de quem foi jovem e brilhante atleta, e abriu mão dos estudos por uma carreira curta e brutal.

E com tudo isso…. Jamais consegui me conectar com o filme. Por que? Como muitos de vocês, nasci e me criei num universo onde o futebol era a língua-mãe. Entendo absolutamente nada de beisebol, e seu eco emocional, passional – abordado com tanta precisão em Moneyball – me escapa completamente. E beisebol, acima de qualquer outra coisa, é o coração, a essência de Moneyball. Se você conhece e gosta, não perca. Senão… não sei.

Moneyball estreia hoje nos EUA e 18 de novembro no Brasil.